Apparue au milieu des années 2000, la sculpture de Stéphanie Cherpin (*1979) s’est d’abord appuyée sur une série d’objets que l’artiste collectait dans les zones périurbaines. Le monde du gros-œuvre y croisait celui des services de voiries et des entrepôts en tout genre. Cherpin faisait subir à cette collecte une succession d’opérations que l’on peut diviser en deux registres. Les matériaux et objets sont d’abord désossés, dépecés et brutalement recombinés par des techniques rudimentaires. A cette première phase, violente et brutale, succède une série d’actions qui tend, au contraire, à apaiser les tensions : les assemblages sont recouverts de matériaux bon marché, connotés par le faux semblant (peintures métallisées, enduits, crépis, rubans adhésifs…). Un maquillage à peu de frais qui semble domestiquer l’agressivité originelle pour rendre la sculpture présentable à tout prix, assumant parfois – et même très volontiers – une forme de vulgarité.

Cette sculpture hybride, à la fois assemblagiste et « freak », a connu un tournant vers 2015. Si le processus sculptural reste relativement le même, l’exubérance des premiers travaux laisse place depuis lors à une approche plus intime. Devenue enseignante, l’artiste a multiplié les collaborations, élargi sa palette de gestes et réduit les formats à des dimensions plus proches de celles du corps. Elle se concentre davantage sur les détails, l’anecdotique, faisant parfois apparaître du texte ou des images. Ce faisant, elle donne une inflexion plus narrative et plus subjective à son œuvre. Son horizon sémantique s’en trouve déplacé : issue des hangars industriels, la sculpture peut désormais évoquer les espaces d’un salon de coiffure, d’une « onglerie » ou d’une chambre d’adolescente.

Ce tournant narratif nous permet d’entrevoir combien l’œuvre de Cherpin, si elle se situe dans la filiation de sculpteurs comme Kienholz, Stockholder ou Genzken, est également pétrie de récits, entre autres ceux de Goliarda Sapienza, Grisélidis Real ou Sharon Olds. En empruntant le titre de son exposition au nom de scène d’une rappeuse franco-ivoirienne, l’artiste souligne par ailleurs son obsession profonde pour la « trap » et la « trill wave » : des sous-genres du hip-hop marqués par une esthétique à la fois glamour et pauvre, une structure musicale lente, des textes crus et mélancoliques, et une utilisation abondante de « l’auto-tune ». Des caractéristiques qu’il est opportun d’avoir en tête pour appréhender son intervention au MAMCO. La mise en espace a en effet été pensée selon une logique de rythmes et d’effets particuliers. Chaque sculpture peut alors « s’entendre » comme une forme de chronique de la vie de l’artiste et du monde dans lequel elle évolue.

• Organisée par Paul Bernard